Gerrit Elshof

Seit Mai 2016 bin ich Teil des Fotoprojekts "Das regionale Gedächtnis" des Museums für Photographie in Braunschweig. Meine Bilderserie "Braunschweig - Touristische Entdeckung einer Stadt" wurde mit weiteren Serie ausgewählt durch Vorstand und Direktorin Dr. Gisela Parak:
http://dasregionalegedaechtnis.de/braunschweig-touristische-entdeckung-einer-stadt/

Dazu hat mich der New Landscape Photography Art -Blog zweimal gefeatured, im Dezember 2016 und im Juni 2019:
http://newlandscapephotography.com/2016/12/29/gerrit-elshof/
http://newlandscapephotography.com/2019/06/13/gerrit-elshof-2/

Was andere sagen und was mir gerne selber eingefallen wäre:

Auf die Frage der LFI, was er an den neuen visuellen Strömungen in der Fotografie spannend fände, antwortete Wim Wenders: "Je mehr 'zeitgenössische Photographie' ich sehe, um so mehr gefällt mir an der Photographie, etwas zu zeigen 'wie es ist'. Im digitalen Zeitalter hat sich Photographie zu einer anderen Form der Malerei entwickelt, in der das photographische Sujet eher 'Material' wird, aus dem dann ein Bild geschaffen wird. Das ist von ihren Möglichkeiten fast unwiderstehlich so. Man kann ja heutzutage auf jedes Atom eines Bildes zugreifen und es verändern! Und dabei entsteht eben etwas neues, das Hauptziel zeitgenössischer Photographie. Aber das mache ich im Kino ohnehin schon die ganze Zeit. An der Photographie interessiert mich ihre Reinheit, dieser fast sakrale Akt, mit dem man sich einer Wirklichkeit verpflichtet." (LFI 8/2014)


In seinem Beitrag zum Buch "Der Rote Bulli" zitiert Christoph Schaden den Fotografen Stephen Shore wie folgt: "Sagen wir einfach, ich fotografiere diese Kreuzung und das ist für mich ein dreidimensionales Problem, was ich irgendwie lösen muss." [aus: "Der Rote Bulli - Stephen Shore und die Neue Düsseldorfer Fotografie", herausgegeben von Werner Lippert und Christoph Schaden.] Jetzt will ich mich hier gar nicht mit dem fotografischen Wunderkind Stephen Shore vergleichen, aber das beschreibt genau das, was mich zur Zeit in der Fotografie antreibt: Das Lösen von dreidimensionalen Problemen, die auch eine zweidimensionale Bildebene projiziert werden. Es ist wie ein Rätsel, das es mehr oder weniger geschickt zu lösen gilt.


"Ob andere das als Kunst akzeptieren, ist von sekundärer Bedeutung." (Timm Ulrichs)


Tony Hiss schreibt über den 31jährigen Stephen Shore in seinem Beitrag zu "Der Rote Bulli": "Und er lernte, Henri Cartier-Bressons Weltsicht auf den Kopf zu stellen. (Henri Cartier-Bresson war dafür berühmt geworden, den, wie er es selbst bezeichnete, 'entscheidenden Augenblick' festzuhalten. Shore hingegen hatte es zu seiner Aufgabe gemacht, die Bedeutsamkeit des Unscheinbaren und Gewöhnlichen offenzulegen und dem, wie er es nannte, 'nicht entscheidenden Augenblick' zu seiner Bedeutung zu verhelfen." Zitat aus "Der Rote Bulli - Stephen Shore und die Neue Düsseldorfer Fotografie", herausgegeben von Werner Lippert und Christoph Schaden.


William Eggleston gegenüber arte: "Für mich ist alles wertvoll was mich umgibt. [...] Ich habe immer in Farbe gesehen, seit meiner Geburt. ich glaub nicht, dass ich mich im Laufe der Jahre sehr verändert habe."


In eine Gespräch mit Lynn Tillman sagte Stephen Shore: "[...] Die Welt der Fotografie sah damals [1965] ganz anders aus. Was ich bis dahin kennengelernt hatte, war, glaube ich, weitgehend so eine Art 'Fotogruppen'-Mentalität. Es gab eine Kritikergruppe in der Stadt [New York City], aber die Bilder waren schrecklich, so Sachen, wie sie in 'Popular Photography' veröffentlicht wurden. Es gab keine erkennbare Zielsetzung, keine wirkliche ästhetische Intelligenz hinter der Fotografie. Es ging einfach darum, gefällige Bilder zu machen." [Stephen Shore: Uncommon Places Amerika - Das Gesamtwerk, Schirmer/Mosel, München 2004]

Wenn ich das obige Zitat von Stephen Shore über 1965 so lese, dann glaube ich zwar, dass sich in der Fotokunst seitdem auch dank Shore sehr viel getan hat, aber wenn ich viele Beiträge in der fc mir so ansehe, dann glaube ich, dass die Welt doch irgendwie stehengeblieben ist.


Thorsten Andreas Hoffmann schrieb in der LFI 02/2012: "Das langweiligte ist in der Farbfotografie gewiss ein monochrom blauer Postkartenhimmel. [...] In der heutigen Kunstfotografie wiederum wird fast nur bei grauem Himmel oder einem sehr milchigen Sonnenlicht fotografiert, damit die Himmelstimmungen möglichst neutral wirken. Dies gilt seit Bernd und Hilla Bechers Serien von Industriebauten oder den bewusst eintönig dargestellten Agrarlandschaften von Heinrich Riebsehl als moderne Sichtweise in der Fotografie."
Auch wenn der Autor hier eigentlich ein Plädoyer für ausdruckstarke Himmelsstimmungen auf Fotos halten will, hat mich diese Darstellung sehr angesprochen.

“Die Mystik der Realität“ (Allan Porter) ist eine schöne Bezeichnung für die Farbfotografie, für mich passt hier allerdings eher die Mystik des Gewöhnlichen, des Banalen.

Eine Aussage von Lewis Baltz aus einem Interview mit Jeff Ryan:
Jeff Ryan: “But Weston, or even Ansel Adams or Robert Adams, gives you something like comfort food.“
Lewis Baltz: “Well, Ansel Adams does because he’s not a very good photographer; he’s more of a popularizer, a fundraiser, a businessman; he wasn’t an artist. He made postcard pictures. But Weston—unlike Ansel Adams—was trying to be a contemporary artist. He corresponded with Kandinsky. Weston realized 19th century landscape ideals contemporaneously.“

“Eine der subversivsten Merkmale der Fotografie liegt in dem Umstand, dass sie uns in ihrer besten Form so oft mit einer Welt konfrontiert, die in krassem Widerspruch zu unseren Sehnsüchten und Zielvorstellungen steht, mit einer Welt oder den Dingen, die sie ausmachen, die wir am liebsten insgesamt negieren würden.“ (Lewis Baltz, Konsumterror: Die spätindustrielle Entfremdung, in: Camera Austria, Nr. 18, 1985, S. 17)

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Was mich beeinflusst und interessiert:

Ich versuche die Arbeiten von Stephen Shore ( http://stephenshore.net ) zu verinnerlichen. Ich liebe es, wie er die vom Menschen gestaltete Landschaft darstellt. Er schafft es großartig mit Strommasten und Leitungen Spannung und Komposition in die obere Hälfte zu bringen.
Toll ist auch: http://postcardsfromamerica.tumblr.com

In dieser Tradition des Stephen Shore sehe ich auch manche Arbeiten eines Mark Power, besonders seine postcards from america: http://www.markpower.co.uk bzw. https://www.facebook.com/pages/Mark-Power/320528576531

Ich bewundere die Arbeiten von HG Esch für ihre Strukturen und bildgewaltigen und detailverliebten Darstellungen von großen Städten.

Ich bewundere ebenso die Arbeiten von Nadav Kander für die monumentalen detailverliebten Sichten.

Ich liebe die Arbeiten von W. Eugene Smith, weil er Reportage und Emotion so gekonnt miteinander verbindet. Diese Emotion finde ich auch in den Schwarz-Weiß-Fotografien von Vanessa Winship ( http://www.vanessawinship.com ).

Ich mag die neutrale, sachliche und doch meisterhaft durchkomponierten Fotos eines August Sander.

Ich liebe die Selbstportraits von Francesca Woodman, ihre düsteren und selbstentblößenden Darstellungen.

Ich mag wie Claudio Hils in seinem Bildband "Abseits" so neutral darstellend seine oberschwäbische Heimat dokumentiert: "Ich will dieses kitschige Heimatbild in Frage stellen, es zertrümmern" In dieser Tradition sehe ich auch meine Bildreihen zum Geistviertel in Münster.

Ich bewundere die kreativen Ideen eines Florian Slotawa ( http://www.florianslotawa.de/ ) und seine fotografischen Dolkumentationen seiner flüchtigen Skulpturen, insbesondere sein Hotelzimmer-Projekt.

Interessante Landschaften aus dem "Edgeland" bildet Jennifer Colten ab: http://www.jennifercolten.com

Sehr gefallen mir auch die Arbeiten von Lioba Keuck über deren Werk ich mal vor der Haustür gestolpert bin. http://www.liobakeuck.de

Catherine Opie hat ein herliches Gespür für die amerikanische Landschaft.